Jak sprawić, żeby produkcja filmów była ekologiczna? –…


Działając w sektorze kultury w dobie katastrofy klimatycznej, należy mieć świadomość, jak kultura może wpływać na postrzeganie tematu zmian klimatycznych przez publiczność. Edukacja ekologiczna jest jednym z ważniejszych zadań, jakie stoją nie tylko przed organizatorami kultury, ale przed każdym i każdą z nas żyjących w Antropocenie.

Sektor kultury nie może być obojętny na rzeczywistość, w której funkcjonuje. Kultura i jej wytwory dotyczą każdego aspektu naszej działalności – także odpowiedzialności człowieka za zmiany klimatu. Kultura i sztuka uwrażliwiają nas i poruszają, ukazując nowe perspektywy, a zmiana perspektywy jest tym, co musi się zadziać, aby przeciwdziałanie zmianom klimatu było skuteczne. Edukacja poprzez sztukę i uświadamianie poprzez sztukę – to część odpowiedzialności, jaką czujemy, tworząc festiwal. Staramy się zachęcić naszą publiczność do refleksji poprzez włączanie do programu tegorocznej edycji punktów związanych z odpowiedzialnością za środowisko naturalne.

GREEN FILMING W PRAKTYCE. PRZEMYSŁ FILMOWY A EKOLOGIA

KIEDY/GDZIE:

2 grudnia 2022 – godz. 15:00
Małopolski Ogród Sztuki: Sala Mała

WSTĘP WOLNY

Panel dyskusyjny będzie kontynuacją działań zapoczątkowanych podczas ubiegłej edycji, kiedy to razem z innymi przedstawicielami branży festiwalowej wspólnie zastanawialiśmy się, jak można zorganizować festiwal w sposób bardziej zrównoważony. W tym roku chcielibyśmy pochylić się nad równie bliskim nam tematem – wpływem branży filmowej na stan planety. X muza ma wielką moc. Kochamy kino i wiemy, że potrafi ono zachwycać, zdumiewać, wstrząsać. Wierzymy głęboko, że film potrafi także uświadamiać, a nawet „nawracać”… być może na bardziej zieloną stronę mocy.

Równocześnie mamy świadomość negatywnego wpływu branży, w której działamy, na środowisko. Chcielibyśmy wraz z osobami eksperckimi i publicznością zastanowić się nad tym, co możemy zrobić, aby przemysł filmowy był bardziej zrównoważony.

Branża filmowa, jak każda inna, stoi przed wyzwaniem bardziej odpowiedzialnej, przemyślanej i przyjaznej dla otoczenia produkcji. To ważna zmiana, która musi się zadziać na wielu płaszczyznach. Nie da się kręcić filmów na martwej planecie. Nie da się chodzić do kina na martwej planecie. I nie ma festiwali filmowych na martwej planecie. Edukacja, poszerzanie perspektyw, realna, praktyczna zmiana –- tego potrzebujemy jako cała branża oraz jako poszczególni jej aktorzy. Podczas panelu dyskusyjnego planujemy omówić dotychczasowe rozwiązania i możliwości, zaznaczyć, jak zmienia się świadomość twórców filmowych, wskazać najbardziej problematyczne obszary, podzielić się przemyśleniami i doświadczeniami.

Jagoda Mazepa
Kierowniczka produkcji filmów krótkometrażowych. Absolwentka produkcji filmowej w Państwowej Wyższej Szkole Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej im. L. Schillera w Łodzi.

Jagoda Mazepa fot. Michał Woźny Studyjo 4

Koordynuje projekty filmowe i kulturalne. Od 2019 roku pracuje w zespole Podkarpackiej Komisji Filmowej, odpowiedzialna za obsługę Podkarpackiego Regionalnego Funduszu Filmowego. Członkini inicjatywy Film dla Klimatu. Współautorka "Zielonego przewodnika dla branży audiowizualnej" - pierwszej tego typu publikacji w Polsce.

Malwina Górecka
Specjalistka do spraw promocji i komunikacji, a także kierowniczka produkcji i debiutująca producentka.

Malwina Górecka

Wraz z reżyserem Robertem Kwilmanem otrzymali nagrodę za zielona produkcje na Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni w kategorii krótki metraż za film Alkibiades (film otrzymał również wyróżnienie na tym festiwalu). Zawodowo zajmuje się również promocją nauki i angażuje w kampanie społeczne i edukacyjne, obecnie produkuje dwa filmy dokumentalne.

Paulina Zacharek
Twórczyni i dyrektorka międzynarodowego programu profesjonalizacyjnego dla środowiska animacji stop motion – StopMoLab, w ramach którego powstaje zielony przewodnik dla animacji poklatkowej.

Paulina Zacharek fot. MichałCharyton

Założycielka i współwłaścicielka firmy MOMAKIN. Członkini Zarządu Krajowej Izby Producentów Audiowizualnych (KIPA). Historyczka Sztuki. Specjalistka ds. dystrybucji kinowej animacji oraz edukacji profesjonalnej i powszechnej w zakresie filmu. Współorganizatorka Animarkt Stop Motion Forum, a także współprogramerka sekcji Masters i Business na tymże wydarzeniu (od 2016 roku). Inicjatorka programu edukacyjno-dystrybucyjnego #bajkizpolski. Swoją przygodę z animacją zaczęła od współpracy ze studiem i fundacją Se-ma-for, gdzie prowadziła Semafor Muzeum Animacji, a także realizowała i koordynowała liczne projekty i wydarzenia kulturalne, m.in.: „Semafor film festiwal On tour”, „Junior Semafor Film Festival”, Semafor European/Asian Express (część edukacyjna).

NATURA – CZŁOWIEK – KULTURA. POKAZ TEMATYCZNY

KIEDY/GDZIE:

2 grudnia 2022 – godz. 13:00
Małopolski Ogród Sztuki: Sala Mała

Czy przyroda jest zasobem, z którego możemy bez ograniczeń korzystać, czy może to my jesteśmy integralną jej częścią, lecz zapomnieliśmy, jak żyć w zgodzie z innymi organizmami?
Jak może wyglądać świat po katastrofie klimatycznej?
Co sprawia, że jesteśmy podobni do wielorybów?
Czy wciąż warto zmieniać swoje przyzwyczajenia i systemy wartości?
Jak wybrać gatunek drzewa, którym staniemy się po śmierci?

Etiudy i animacje opowiadają historie, wrzucają nas w nowe narracje, a czasem w nowe wszechświaty. Co roku program festiwalu obfituje w wyjątkowe obrazy i sposoby postrzegania rzeczywistości. W tym roku z nadesłanych dzieł wybraliśmy również takie, które w szczególny sposób zwracają uwagę na to, co dzieje się na styku przestrzeni, w których funkcjonujemy – kultury i natury.

Każdy z wybranych filmów ukazuje inny aspekt kontaktu człowieka z naturą, postrzegania świata naturalnego. Każdy daje też trochę inną perspektywę na to, jak funkcjonujemy w środowisku, jak je zmieniamy lub jak się do niego dopasowujemy, za czym tęsknimy i co utraciliśmy, jak bronimy tego, co nam drogie.

Wybrane filmy to wyjątkowa selekcja – część z nich można obejrzeć także w ramach programów konkursowych, niektóre jednak zostały wybrane na potrzeby pokazu i nie będą prezentowane nigdzie indziej.

Jaśmina Madej

“I wyjedź z tego miasta” Mariusz Wilczyński


Przeniesienie fragmentów wystawy Mariusza Wilczyńskiego “Zabij to…” prezentowanej w Zachęcie – Narodowej Galerii Sztuki do skali 1:12

Wernisaż i spotkanie z Mariuszem Wilczyńskim oraz kuratorkami projektu - 1.12.2022 godz. 20.00

Plakat wernizażu “I wyjedź z tego miasta”

Lokalizacja:
Galeria Mikrob. w pięknej, starej witrynie klubu Baza przy ulicy Floriańskiej 15 w Krakowie (Czynna: 24/7). Projekt tworzony dzięki uprzejmości klubu BAZA

Kuratorki: Marta Miś, Agata Kus

Wystawa Mariusza Wilczyńskiego w Zachęcie skupia się na jednym filmie – pełnometrażowym debiucie tego znanego animatora zatytułowanym Zabij to i wyjedź z tego miasta. Jego światowa premiera odbyła się na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Berlinie na początku 2020 roku, jednak ze względu na pandemię koronawirusa na wejście do kin film czekał prawie rok. W tym czasie był pokazywany i zdobywał nagrody m.in. na najważniejszych festiwalach animacji na świecie – w Annecy i Ottawie. 

Animacja, początkowo planowana jako krótki metraż, była realizowana przez 14 lat. Ostatecznie powstał film długometrażowy, będący wędrówką artysty przez krainę wspomnień, w której przewijają się bliskie mu osoby oraz miejsca. Tłem dla tej surrealistycznej historii jest Łódź, rodzinne miasto animatora, jej bohaterami natomiast – postacie prawdziwe, wymyślone lub zaczerpnięte z literatury. Jedna z najważniejszych to Tadeusz Nalepa – nieżyjący już przyjaciel Wilczyńskiego i autor ścieżki muzycznej. Zabij to i wyjedź z tego miasta łączy klimat sennego marzenia z realizmem i czarnym humorem, kulturę wysoką z popkulturą, osobiste wspomnienia z opisem rzeczywistości. Tradycyjną animację twórca wpisuje w format kina fabularnego, choć nadal pozostaje w przestrzeni filmu artystycznego, a na wskroś polski film czyni uniwersalnym i zrozumiałym także dla widza zagranicznego. 

Kilka tysięcy rysunków w różnej skali, podpatrywanie i podsłuchiwanie peerelowskiej rzeczywistości i języka (autor ujawnia tu również swoje ucho do dialogów), „udźwiękowianie” bohaterów przez lata (w obsadzie znaleźli się m.in. Andrzej Wajda, Irena Kwiatkowska, Barbara Krafftówna, Krystyna Janda, Tadeusz Nalepa, Tomasz Stańko, Gustaw Holoubek, Andrzej Chyra czy Maja Ostaszewska) oraz muzyka Nalepy i Breakoutów – to tylko część składowych tej opowieści o przemijaniu. Wystawa Zabij to… w Zachęcie przede wszystkim zbudowana jest wokół kontekstów tworzących świat przedstawiony w filmie oraz samo dzieło. Z jednej strony określa je plastyka (wieloplanowe scenografie miasta, inne niż we wcześniejszych filmach reżysera światło), na wystawie pokazana poprzez oryginalne rysunki oraz opracowaną animatorsko scenografię. Z drugiej strony – totalne myślenie Wilczyńskiego o dźwięku jako ważnym budulcu przestrzeni filmowej. Trzecim ważnym elementem wystawy są sceny, które nie weszły do ostatecznej wersji filmu – udźwiękowione i zmontowane na etapie animatika, pokazujące w uproszczonej formie planowaną animację postaci, co pozwala widzom poznać też warsztat współczesnego animatora.

KURATORKA PROJEKTU - AGATA KUS

Artystka wizualna. Mieszka i pracuje w Krakowie. Jest absolwentką, doktorem i adiunktem na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Zajmuje się głównie malarstwem, rysunkiem, ceramiką i video. Jest laureatką wielu nagród i stypendiów, w tym zwyciężczynią Międzynarodowego Biennale Sztuki Mediów WRO 2015 we Wrocławiu. W roku 2017 została nominowana do Nagrody „Spojrzenia” Deutsche Banku i Zachęty.  W roku 2011 i 2018 była nominowana do stypendium szwajcarskiej Fundacji Vordemberge-Gildeward. W 2021 zdobyła pierwsze miejsce w rankingu Kompas Młodej Sztuki publikowanego na łamach Rzeczpospolitej. Współpracowała z wieloma instytucjami i galeriami w Polsce, Austrii i Paryżu. Jej obrazy znajdują się m. in. w kolekcji Muzeum Sztuki Współczesnej MOCAK w Krakowie, Muzeum Narodowym w Gdańsku, Galerii Bunkier Sztuki, Kolekcji mBanku oraz w licznych kolekcjach prywatnych w Polsce i zagranicą.

Wystawa interlaced/przeplatane

Wystawa: interlaced/przeplatane. Eksperymenty ze stereoskopową animacją i rozszerzoną rzeczywistością

GDZIE / KIEDY:

  • WYSTAWA
    30 listopada – 3 grudnia 2022 (w godzinach 14.00 – 20.00)
    Małopolski Ogród Sztuki - Sala konferencyjna
  • WERNISAŻ:
    30 listopada 2022 - 19:30
    Małopolski Ogród Sztuki - Sala konferencyjna
    Spotkanie z Wiolą Sową, Przemysławem Liputem i Jackiem Złoczowskim

Plakat wystawy interlaced/przeplatane

Tytuł wystawy to zbitka dwóch słów, które nie są tłumaczeniem literalnym, lecz ich znaczenie wzajemnie się uzupełnia, naprowadzając na właściwą interpretację. Interlaced to przeplot, czyli półpola, z których składał się obraz wideo, co dawało podwojenie liczby klatek podczas wyświetlania, a tym samym płynniejszą projekcję. Posługując się obrazem stereoskopowym mamy do czynienia również z podwojeniem obrazu, jakkolwiek innego rodzaju. Powiedzielibyśmy, że są to raczej obrazy przeplatające się. Przeplatające się są również techniki, którymi się posługujemy. Każda z tych prac jest wynikiem procesu, w którym zostały wykorzystane różne media. Czasem punktem wyjścia był proces manualny, czasem fotografia, a czasem Virtual Reality. W procesie twórczym to, co manualne stało się cyfrowe, fotografia zmieniła się w ruch, a rzeczywistość rozszerzona przemieściła się w inny obszar. Dlatego właśnie tytułowa gra słów tak dobrze dodaje, nie tylko charakter wystawy, ale przede wszystkim proces twórczy i postawy artystów biorących w niej udział.

Wystawa interlaced/przeplatane to wydarzenie wyjątkowe! Środkiem wyrazu jest animacja, ale trudno byłoby znaleźć bardziej zróżnicowane podejście do tego, jak zostaje użyta w przeprowadzonych przez artystów eksperymentach oraz czym się staje jako dzieło artystyczne.

Na wystawie możemy zobaczyć prace: Przemysława Liputa, kolektywu Memorymorph (Jacek Złoczowski i Małgorzata Łuczyna) i Wioli Sowy, które są  podsumowaniem prowadzonych eksperymentów nad stereoskopowym przetwarzaniem obrazu. Wnioski zebrane zostały w publikacji interlaced/przeplatante, wydanej w 2021 roku i dostępnej jako e-pub. Niektóre prace prezentowane na wystawie są bezpośrednio powiązane z przeprowadzonymi badaniami. Inne są dalszą eksploracją podjętych tematów. Penetrują je w nowy sposób i przy użyciu nowych narzędzi.

W obszarze zainteresowań i fascynacji Przemysława Liputa są maszyny przedkinowe, takie jak: stereoskop, peryskop czy mutoskop. Nie jest to jednak podejście wyłącznie odtwórcze. Przeciwnie część konstrukcji urządzeń, bazując na pierwowzorach została unowocześniona, tak by umożliwiała projekcję obrazu cyfrowego. Wyświetlane przez niego pętle animacji, tematycznie odnoszą się do jego kolejnej fascynacji – astronautyki, traktowanej z dystansem i humorem.

Fokus artystyczny kolektywu Memorymorph skupia się na działaniach w zakresie sztuk wizualnych, dotyczących sztucznej inteligencji, percepcji, fotograficznego obrazu przetworzonego. Na wystawie zaprezentowana zostanie ich praca zrealizowana jako doświadczenie Virtual Reality traffic_lab. Choć akcja doświadczenia rozgrywa się na Rynku w Krakowie, to istotą pracy nie jest przeniesienie się w zabytkowe miejsce, lecz doświadczenie go w niemożliwy dla percepcji człowieka sposób.

Ostatnia praca prezentowana na wystawie to Inside the drawing mojego autorstwa. Podstawowy obszar mojej działalności artystycznej to film animowany. Jednak w ostatnich latach zrealizowałam całą serię prac w rzeczywistości rozszerzonej (Augmented Reality i Virtual Reality). Szczególnie fascynujące jest dla mnie działanie Augmented Reality, ze względu na mieszanie się dwóch wymiarów: realnego i cyfrowego. Praca prezentowana na wystawie zrealizowana została w środowisku Virtual Reality i przeniesiona do Augmented Reality. Jest doświadczeniem pomiędzy rysunkiem, a przestrzenną instalacją, które możemy penetrować w kilku wymiarach.

                                                                                              kuratorka wystawy Wiola Sowa

ELEMENTY WYSTAWY:


Stereoskop - 2021, 27x41x63cm, stereoskop cyfrowy, wielkość klatki filmowej 4x3,drewno, sklejka, ramka wideo

Persykop 3 - 2021, 50x35x27, zapętlony film 16x9, cyfrowy peryskop, drewno, sklejka, ramka wideo

Mutoskop - 2017, 408x216x1023cm, wielkość klatki 4,5x6cm, maszyna przedkinowa z zamontowanym filmem animowanym napędzana korbka, drewno, sklejka, stal

Motywem spajającym prezentowane prace jest słowo „pętla”, rozumiana jako pułapka lub uwiezienie w przebrzmiałych sposobach myślenia i postępowania. Popkultura od upadku i ostatecznym skompromitowaniu wielkich koncepcji XX wieku odwraca się od starań przewidzenia przyszłości, na rzecz sprawdzonych rozwiązań.  Fascynuje mnie to nierozerwalne zakotwiczenie we „wczoraj” i nieumiejętność wyobrażenia sobie „tego, co jutro”.

To co łączy moje prace to anachronizm technologiczny. W swojej strategii artystycznej staram się tworzyć filmy animowane i przedmioty, które sprawiają wrażenie starych, historycznych, ale jednocześnie nie pasujących do własnych linii czasowych. Środkiem do osiągnięcia tego typu wrażenia jest wykorzystanie nowoczesnych technologii wplecionych w archaiczną budowę, filozofię działania urządzenia.

PRZEMYSŁAW LIPUT

W 2010 roku ukończył studia na kierunku Grafika na Wydziale Sztuki Uniwersytetu Pedagogicznego w Krakowie. Dyplom magisterski obronił w pracowni Druku Cyfrowego dr hab. Adama Panasiewicza. W 2017 roku uzyskał stopień doktora sztuki pod kierunkiem dr hab. Grzegorza Hańderka na Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach. Laureat wielu nagród i wyróżnień, uczestnik wystaw, przeglądów filmowych w kraju i za granicą. Jest autorem ilustracji do książek: Miasto Potwór (wyd. Kropka), Rok w przedszkolu (wyd. Nasza Księgarnia), Ziemia do Jadzi i serii „Jano i Wito” (wyd. Mamania). Autor filmów animowanych, książek dla dzieci, spotów i kampanii reklamowych. Od 2011 roku jest wykładowcą w Instytucie Sztuki i Desginu Uniwersytetu Pedagogicznego w Krakowie. Realizuje prace w technikach graficznych, rysunkowych oraz wideo. Tworzy obiekty kinetyczne i prekinowe, maszyny-projektory, urządzenia stereoskopowe. W filmie animowanym interesuje się działaniami bezkamerowymi, eksperymentalnymi, minimalistycznymi i przedkinematogracznymi. Współorganizator trzech edycji ogólnopolskich i jednej międzynarodowej Studenckiego Konkursu NOTO – notatnik artysty.

traffic_lab

  • concept & realisation: Memorymorph (Jacek Złoczowski, Małgorzata Łuczyna)
  • cooperation: Wojciech Jończyk

traffic_lab to alternatywna, wirtualna podróż po jednej z najbardziej atrakcyjnych turystycznie lokalizacji – Rynku Starego Miasta w Krakowie. Praca stworzona jest w oparciu o dane, które zwykle nie są wykorzystywane w mapowaniu przestrzeni. Do realizacji wykorzystano technikę rejestracji panoram fotograficznych 360° oraz aplikację opartą o uczenie maszynowe, która posłużyła do przetworzenia panoram sferycznych. Dzięki wykorzystaniu aplikacji zarejestrowano zagęszczenie i dynamikę ruchu. Tkanka miasta nie powstała z obiektów architektonicznych, jest raczej zapisem zmienności ruchu i dźwięku. To próba stworzenia portretu tego miejsca zapisanego w syntetycznej formie nakładających się na siebie postaci. Obraz miasta powstał z „materii ludzkiej”, która jest jej nieodzownym składnikiem.

Zakładając gogle VR odbiorca przenosi się w przestrzeń złożoną z ulotnych znikających punktów, efemerycznych kształtów,  które nie dają punktu odniesienia w przestrzeni, nie są powiązane z żadnym stałym obiektem. Tworzą warstwę rzeczywistości tego, co ulotne i chwilowe, z pozoru nieistotne.


Kolektyw Memorymorph powstał w 2017 roku. Grupę tworzą artyści wizualni Małgorzata Łuczyna i Jacek Złoczowski. W swoich projektach artyści współpracują z programistami, naukowcami i projektantami. Realizują prace multimedialne, działania w przestrzeni publicznej, prace w obszarze sztuki internetowej, wirtualnej i hybrydowej. Prace grupy pokazywane były podczas wystaw: TANCEBA, Galeria Bielska BWA (2017), PRÓBA 3, Galeria im. J. Tarasina w Kaliszu (2017), Street Data podczas festiwalu MIASTOmovie 6 we Wrocławiu (2018) oraz w ramach pokazu 3D Kraków Meetup na festiwalu Patchlab 2018 w Krakowie.



INSIDE THE DRAWING

To doświadczenie pomiędzy rysunkiem, a przestrzenną instalacją, które możemy penetrować w kilku wymiarach. Praca została zrealizowana jako rzeczywistość rozszerzona AR (augmented reality), ale powstawała w aplikacji AnimVR umożliwiającej rysowanie i animowanie w przestrzeni wirtualnej. Tytuł pracy zawiera w sobie postawione założenie artystyczne – jesteśmy w rysunku, który oddziałuje na nas w trojaki sposób: przestrzenią, dźwiękiem i ruchem, czyli w taki sposób, w jaki klasyczny rysunek nie ma szansy na nas oddziaływać. Wybór rzeczywistości rozszerzonej AR jako formy realizacji pracy podyktowany był wyjątkowością właśnie takiego doświadczenia. Widzimy świat realny, a jednocześnie za pośrednictwem tabletu, doświadczamy ukrytego, nieistniejącego wymiaru, który pozostawi w naszej świadomości realne wspomnienia.

WIOLA SOWA

Reżyserka filmów animowanych. Realizuje animacje, ale również filmy, w których miesza animację z dokumentem i fabułą. Od kilku lat eksperymentuje z rozszerzoną rzeczywistością augmented reality i virtual reality. Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie oraz Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej im. L. Schillera w Łodzi. Dwukrotna laureatka Stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Miasta Kraków i Stypendium Goethe Institut. W latach 2008–2012 przewodnicząca polskiej sekcji ASIFA (Association Internationale du Film d’Animation, międzynarodowego stowarzyszenia zrzeszającego twórców filmu animowanego na świecie). Adiunkt w Instytucie Sztuki i Designu Uniwersytetu Pedagogicznego. Jej filmy były prezentowane i nagradzane na wielu festiwalach w kraju i za granicą, m.in.: National Gallery of Art Washington D.C., Fundacja Kościuszki w Nowym Jorku, Barbican Centre w Londynie, Centre Pompidou w Paryżu, Centrum Sztuki Współczesnej w Zamku Ujazdowskim w Warszawie, podczas Hiroshima Animation Festival w Japonii, Annecy Animation Festival we Francji.

Wystawa makiet z filmu Tomasza Wolskiego „1970”


Wystawa makiet z filmu Tomasza Wolskiego „1970” prezentuje 6 gabinetów politycznych, w których rozgrywały się najważniejsze rozmowy politycznego kryzysu. Dzięki animacjom połączonym z nagraniami rozmów telefonicznych zaglądamy za zamknięte drzwi gabinetów dygnitarzy. Postaci polityków są dopracowane w najdrobniejszych szczegółach, twarze, ubrania, podobnie elementy wystroju wnętrz i umeblowanie odzwierciedlające tamte czasy. Pracami nad animacją kierował Robert Sowa, lalki wykonała Sylwia Nowak.

[modula id="19699"]

Promocja książki Michała Bobrowskiego i Radosława Bomby „Poza…


Michał Bobrowski, Radosław Bomba
Poza ekranem kinowym. Postmedialne konteksty animacji
Wydawnictwo UMCS, Lublin 2021
978-83-227-9534-7, 148 stron

Okładka książki „Poza ekranem kinowym. Postmedialne konteksty animacji”, Autor grafiki na okładce: Sasha Svirsky

W monografii Autorzy stawiają sobie niełatwy, choć bez wątpienia intrygujący cel – zmapowanie animacji na tle pejzażu postmedialnego, w którym media funkcjonują jako Geertzowskie „gatunki zmącone”. Ta rama pozwala przyjrzeć się w dwóch częściach tego tomu różnym liniom historycznym – wideoklipom, ze szczególnym uwzględnieniem animacji, która od swojego zarania była bytem odrębnym od filmu, w duchu archeologii mediów dającym się wpisać w inne niż kinematograficzne połączenia, ale też powiązanym z nimi animacjom „po kinie”, od GIFów, przez immersyjne instalacje, po wizualizacje danych. By poradzić sobie z analizą takiego zakresu tematów, w dodatku łączących różne rejestry, od prac amatorskich, przez produkcje komercyjne, po awangardę, Michał Bobrowski i Radosław Bomba korzystają z ogromnej palety odniesień teoretycznych. To niezbędne, a zarazem poznawczo cenne, bo cały ten obszar w oczywisty sposób wymyka się tradycyjnym kategoryzacjom. […]

Poza ekranem kinowym układa się trochę w katalog, trochę w teoretyczno-historyczny przewodnik po wybranych mediach epoki, w której zakres znaczeniowy samego terminu „medium” staje się nieoczywisty. Więcej nawet: jest też opartą na nowym aparacie pojęciowym rewizytą w przeszłości, która przypomina, że stabilność starszych form była, niczym w przywoływanej w tekście estetyce glitch, czekającą na obnażenie iluzją. Autorzy otwierają też obszar dla kolejnych eksploracji, bo lektura pobudza apetyt i prowadzi do kolejnych pytań, choćby o społeczny obieg przywoływanych obrazów i dźwięków. Wreszcie – proponuje nowy „kontrakt audiowizualny”, dowartościowując odwiecznie marginalizowany kosztem obrazu dźwięk.

Z recenzji dr. hab. Mirosława Filiciaka, prof. SWPS

Więcej informacji: https://wydawnictwo.umcs.eu/produkt/5426/poza-ekranem-kinowym-postmedialne-konteksty-animacji

EMISJE:

2 grudnia 2022 – godz. 11:00
Małopolski Ogród Sztuki: Sala Mała

O AUTORACH:

Michał Bobrowski

Od 2018 adiunkt w Instytucie Nauk o Kulturze UMCS (Wydział Filologiczny, Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie). Doktor filmoznawstwa (dysertację obronił na Uniwersytecie Jagiellońskim w roku 2010). W obrębie jego zainteresowań badawczych znajdują się klasyczne kino japońskie i amerykańskie, film animowany, studia nad propagandą filmową okresu Zimnej Wojny (USA, ZSRR, Jugosławia). W roku 2012 opublikował książkę Akira Kurosawa. Artysta Pogranicza. W roku 2016 ukazała się współredagowana przez niego monografia Obsession, Perversion, Rebellion. Twisted Dreams of Central European Animation, a w 2019 jej kontynuacja zatytułowana Propaganda, Ideology, Animation. Twisted Dreams of History (również pod jego współredkacją). Książka ta uzyskała nominację do nagrody McLaren-Lambart Award for Best Scholarly Book on Animation za lata 2019-2020 przyznawanej przez Society for Animation Studies. Wraz z Radosławem Bombą współautor wydanej w 2021 roku książki Poza ekranem kinowym. Postmedialne konteksty animacji. Jest dyrektorem programowym oraz współzałożycielem StopTrik International Film Festival (Słowenia/Polska), festiwalu poświęconego animacji stop motion. Współpracuje z licznymi europejskimi festiwalami i instytucjami filmowymi jako kurator, aktywista kulturowy. Posługuje się językami angielskim, serbsko-chorwackim, rosyjskim.

Radosław Bomba

Badacz, nauczyciel akademicki, animator kultury cyfrowej. Absolwent kulturoznawstwa i socjologii Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie oraz studiów podyplomowych Ochrona własności intelektualnej (UMCS, 2014) i Grafika komputerowa i DTP (UMCS, 2015). Od 2006 roku pracuje w Instytucie Kulturoznawstwa Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie, gdzie po obronie pracy doktorskiej (2012) pełnił funkcję adiunkta, a od 2021 roku profesora nadzwyczajnego. Zainteresowany wizualizacją wiedzy, humanistyką cyfrową, analityką kulturową, antropologicznymi aspektami gier komputerowych, ludologią, cyberkulturą, kulturą cyfrową, nowymi mediami oraz ich wpływem na przeobrażenia społeczno-kulturowe. Działalność dydaktyczną na Uniwersytecie Marii Curie Skłodowskiej realizuje od ponad 15 lat. Wykładał także na Uniwersytecie SWPS w Warszawie (2015-2018), Uniwersytecie Jana Pawła II w Krakowie (2020/21) oraz Wyższej Szkole Ekonomii i Innowacji w Lublinie (2019/20). Oprócz pracy naukowo dydaktycznej aktywnie współpracował z licznymi instytucjami nauki i kultury takimi jak m.in.: Narodowe Centrum Kultury, Narodowy Instytut Audiowizualny, Biblioteka Narodowa, Medialab Katowice, Centrum Humanistyki Cyfrowej IBL PAN, Fundacja Nowoczesna Polska, Muzeum Miasta Gdyni, Ośrodek Brama Grodzka Teatr NN, Fundacja 5medium, Instytut Kultury Miejskiej w Gdańsku, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, Fundacja Lubelski Gamedev, Centrum Promocji Informatyki w Warszawie. W 2015 roku ekspert Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w zakresie edukacji medialnej. W latach 2013-2017 pełni funkcję kierownika studiów podyplomowych Wiedza o kulturze. Od 2018 roku pełni funkcję dyrektora Centrum Badań Gier Wideo UMCS W latach 2006-2017 zastępca redaktora naczelnego czasopisma naukowego „Kultura i Historia”. Redaktor licznych portali internetowych (m.in. Historia i media, Wiedza i Edukacja). Członek Polskiego Towarzystwa Kulturoznawczego (od 2005 roku), Polskiego Towarzystwa Badania Gier (od 2007 roku) i Polskiego Towarzystwa Badań nad Filmem i Mediami.

Promocja książki Olgi Bobrowskiej „Chinese Animated Film and…


Olga Bobrowska
Chinese Animated Film and Ideology, 1940s-1970s. Fighting Puppets
Wydawnictwo: CRC Press (Taylor & Francis Group)

Okładka książki "Chinese Animated Film and Ideology, 1940s-1970s - Fighting Puppets"

Uczestnicy spotkania promocyjnego otrzymają 20-procentową zniżkę do wykorzystania podczas zakupu książki na stronie internetowej wydawcy.

Niniejsza publikacja przedstawia rozważania z zakresu studiów nad chińską animowaną propagandą realizowaną od lat czterdziestych do siedemdziesiątych XX wieku. Analizy czterech filmów lalkowych ukazują bliskie, lecz dynamiczne, związki i uwikłania filmowej animacji oraz doktryny maoistowskiej. W pierwszym rozdziale przedstawione zostają konteksty warunków produkcji oraz ideologicznych znaczeń (tzw. „nowa demokracja”) zawartych w pierwszym filmie lalkowym zrealizowanym w Północno-wschodnim studiu filmowym w Changchun, The Emperor’s Dream (1947, reż. Chen Bo’er). Następnie, omawiana jest problematyka artystycznych, intelektualnych i ideologicznych założeń obecnych w filmie Zhanga Chaoquna Wanderings of Sanmao (1958), przede wszystkim w odniesieniu do tradycji rewolucyjnych sztuk wizualnych i komiksu. Ostatnie dwa rozdziały podejmują próbę opisu dorobku You Leia, kontrowersyjnego reżysera silnie związanego z radykalnymi nurtami maoizmu. Przedstawione zostają metody i narzędzia artystycznego wyrazu używane w animacji filmowej, która wypełniała założenia ideologiczne ustanowione przez Mao Zedonga w pierwszej połowie lat sześćdziesiątych (Rooster Crows at Midnight, 1964) oraz w okresie Rewolucji Kulturalnej (The Little 8th Route Army, 1973). Cztery analizowane filmy wzmacniały naczelne mity założycielskie Chińskiej Republiki Ludowej poprzez podkreślanie pewnych specyficznych znaczeń doktryny maoistowskiej na kolejnych etapach jej rozwoju. Bez względu na dyspozycję animacji do pełnej, propagandowej funkcjonalności w aparacie produkcji kinowej ChRL, to jednak należy dostrzec, że w wymiarze znaczeń ideologicznych chiński film animowany nie był nigdy monolitem.

Książka ta jest najnowszą publikacją w serii CRC Press, Focus Animation, którą zainicjował Profesor Giannalberto Bendazzi (1946-2021). Kolejny tom autorstwa Bobrowskiej “Chinese Animated Film and Ideology, 1980s. Festivals and Soft Power” poświęcony będzie sino-europejskiemu otwarciu na festiwalach w Annecy i Zagrzebiu w epoce reform i modernizacji Denga Xiaopinga.

Więcej informacji: https://www.routledge.com/Chinese-Animated-Film-and-Ideology-1940s-1970s-Fighting-Puppets/Bobrowska/p/book/9781032148892

EMISJE:

2 grudnia 2022 - godz. 12:00
Małopolski Ogród Sztuki: Sala Mała

O AUTORCE:

Olga Bobrowska urodziła się w 1987 roku. Doktorat w zakresie dziedziny nauk humanistycznych (nauki o sztuce, filmoznawstwo) obroniła w 2020 roku na Uniwersytecie Jagiellońskim w Krakowie, jej rozprawa poświęcona została problemom ideologii i estetyki klasycznego, chińskiego filmu animowanego (1957-1989). Obecnie prowadzi zajęcia z zakresu historii filmu animowanego na Uniwersytecie Jagiellońskim w Krakowie. Autorka publikacji naukowych z zakresu chińskiej i polskiej, które ukazały się w polskich i zagranicznych czasopismach naukowych oraz pracach zbiorowych. Dyrektorka oraz współzałożycielka słoweńsko-polskiego festiwalu animacji stop motion StopTrik IFF (Maribor, Słowenia; Łódź, Polska). Często współpracuje z rozmaitymi festiwalami, m.in. Krakow Film Festival, Supertoon IAF (Šibenik, Chorwacja), Etiuda&Anima (Kraków), Anibar IAF (Peja, Kosowo). Kuratorka pokazów prezentowanych m.in. w Polsce, Słowenii, Chorwacji, Holandii, Finlandii i Chinach. Jurorka licznych festiwali animacji. Recenzje i teksty krytyczne jej autorstwa ukazywały się w miesięcznikach “Kino” i “Ekrany” oraz roczniku “ASIFA Magazine”, na stałe współpracuje z magazynem “Zippy Frames”. Jest autorką monografii Chinese Animated Film and Ideology, 1940s-1980s. Fighting Puppets (2022) i współredaktorką dwóch monografii: “Obsession Perversion Rebellion. Twisted Dreams of Central European Animation” (2016) oraz “Propaganda, Ideology, Animation. Twisted Dreams of History” (2019).